Capítulo 05
Grieg, modernismo y los muchos espacios del jazz noruego
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Grieg interesa más cuando la cadena de préstamos permanece visible
La música de Edvard Grieg se convirtió en una poderosa imagen condensada de Noruega en el ámbito internacional, sobre todo Peer Gynt, el Concierto para piano y las Piezas líricas. Esa imagen puede ocultar tanto la amplitud del compositor como a los músicos cuyos materiales entraron en su obra.
En Slåtter, op. 72, Grieg trabajó con piezas para violín de Hardanger asociadas a Knut Dahle y transcritas por Johan Halvorsen. El piano no puede reproducir las cuerdas simpáticas ni la flexibilidad del arco. Grieg responde con ornamentos aplastados, densa resonancia grave, acentos desplazados y súbitos cambios de registro. «Haugelåt» se asemeja menos a una cortés transcripción de salón que a una colisión entre instrumentos.
Antes del ciclo pianístico conviene oír a Knut Buen interpretar una tradición violinística emparentada. La comparación no decide qué versión es auténtica. Expone la traducción instrumental como trabajo creativo y mantiene a Dahle dentro de la historia.
Pauline Hall y Fartein Valen quiebran la idea de una evolución nacional inevitable
Pauline Hall estudió y compuso en un mundo musical que a menudo trataba a las mujeres como intérpretes antes de reconocerlas como autoras. Su Suite Verlaine se despliega con claridad, color e influencia francesa en lugar de proclamar una identidad nacional folclórica. También contribuyó a fundar la sección noruega de la Sociedad Internacional para la Música Contemporánea y, con ello, a determinar qué podía escuchar el público.
Fartein Valen desarrolló un lenguaje contrapuntístico disonante muy alejado de la Noruega pintoresca esperada en el extranjero. Su Sonetto di Michelangelo, op. 17, permite que líneas independientes generen tensión sin apoyarse en la resolución tonal. La música es concentrada y lírica incluso cuando su armonía rechaza el consuelo.
Juntos introducen una corrección decisiva. La composición noruega posterior a Grieg no siguió una marcha única desde la melodía tradicional hacia la técnica moderna. Los compositores eligieron caminos cosmopolitas, locales, religiosos, políticos y experimentales, y las instituciones decidieron cuáles recibían tiempo de ensayo.
Arne Nordheim incorporó el sonido electrónico al lenguaje concertístico
Warszawa y Solitaire, de Arne Nordheim, unen materiales orquestales, vocales y electrónicos con una atención especial a la textura, el decaimiento sonoro y el espacio. La electrónica no llega como accesorio futurista. Modifica la manera en que se perciben la voz humana y la duración de un gesto.
En «Solitaire», los tonos aparecen, dejan estelas y reorganizan el campo acústico. Un acontecimiento fuerte puede importar menos que su estela al desvanecerse. El trabajo de estudio de Nordheim conectó Noruega con redes electroacústicas internacionales, al tiempo que conservó un interés personal por la memoria y la vulnerabilidad humana.
Compositores posteriores ampliaron el campo: Synne Skouen, Cecilie Ore, Lasse Thoresen, Rolf Wallin y Maja S. K. Ratkje cultivan formas de cámara, orquestales, vocales, electrónicas y teatrales. Voice, de Ratkje, convierte respiración, grito, resonancia y procesamiento en una composición que no puede reducirse ni a técnica extendida ni a efecto de estudio.
El jazz noruego es más amplio que la idea de espacio nórdico
El tono nítido del saxofón de Jan Garbarek, sus frases largas y sus grabaciones para ECM se convirtieron en emblema internacional del jazz nórdico. Dis, creado con el guitarrista Ralph Towner y el sonido de un arpa eólica, concede al silencio y al tono sostenido un peso estructural poco común. El álbum merece su influencia, pero no define a todos los improvisadores noruegos.
Karin Krog situó la improvisación vocal, la electrónica y la colaboración internacional en el centro. Fairytales, de Radka Toneff con Steve Dobrogosz, consigue que voz y piano parezcan orquestales mediante el toque y el silencio. En «The Moon Is a Harsh Mistress», el control sereno de Toneff intensifica la letra sin exceso teatral.
La guitarra eléctrica de Terje Rypdal, el bajo de Arild Andersen, la batería de Jon Christensen y la experimentación vocal de Sidsel Endresen amplían aún más el panorama. La infraestructura compartida de clubes, NRK, festivales, educación y sellos importa más que un único sonido atmosférico.
La electrónica y el ritmo cambiaron el vocabulario del jazz
Khmer, de Nils Petter Molvær, sitúa la trompeta dentro de ritmos programados, muestreo y una producción cargada de graves. El ataque soplado de la trompeta sigue siendo reconocible, pero la base electrónica la sitúa en otra escala. «Khmer» no es jazz al que se haya añadido un ritmo de moda: la improvisación y la producción se determinan mutuamente.
New Conception of Jazz, de Bugge Wesseltoft, emprendió otro diálogo con la cultura de club. Supersilent eliminó el repertorio fijo y practicó la improvisación colectiva con teclados, electrónica, batería y trompeta. Los tríos de guitarra de Hedvig Mollestad aportan peso de hard rock a la forma improvisada, mientras Mette Rasmussen y Gard Nilssen representan una práctica libre contemporánea de gran fiereza.
Estos sonidos importan porque evitan que un estereotipo nacional del jazz se cumpla a fuerza de repetirse. El espacio sonoro puede ser denso, el ritmo puede ser abrasivo y la improvisación noruega puede sudar.
Escuchar las instituciones sin confundirlas con géneros
Moldejazz, fundado en 1961, es uno de los festivales de jazz más longevos de Europa. Kongsberg Jazz Festival, Oslo Jazz Festival, Victoria Nasjonal Jazzscene y los clubes de Bergen, Trondheim, Stavanger y Tromsø sostienen públicos diferentes. Un programa de festival combina artistas internacionales con músicos noruegos; la sede no convierte cada actuación en jazz noruego.
Como recorrido práctico, se puede empezar en Victoria, en Oslo, y consultar después la programación vigente de Dokkhuset, en Trondheim, y de los festivales regionales. En Bergen, conviene mirar más allá de una única asociación con ECM y buscar improvisadores locales y trabajos interdisciplinarios. En Molde o Kongsberg, una buena combinación reúne a un artista consolidado y a un conjunto noruego desconocido.
La pregunta útil para el viajero no es «¿dónde está el sonido nórdico?», sino «¿quién toca, con quién y qué clase de sala dará forma a la música esta noche?».
