Capítulo 07
Veinticuatro interpretaciones del panorama musical surcoreano
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1. Orquesta de Música de Corte del Centro Nacional de Gugak: Jongmyo Jeryeak
Comience por la escala de la ceremonia. Siga las señales de apertura, la línea fundida de los vientos, el contraste entre los ataques del bronce y la piedra y el espacio medido alrededor de cada frase. La grabación representa la transmisión institucional surcoreana de un repertorio ritual de Joseon; no convierte esa herencia premoderna en un relato sobre los orígenes del Estado moderno. Botaepyeong, Jeongdaeeop y la secuencia ritual más amplia ofrecen, cada uno, un sentido distinto de la proporción.
2. Ahn Sook-sun con Kim Cheong-man: Chunhyangga
Esta extensa grabación permite que una cantante construya todo un teatro mientras un percusionista sostiene el tiempo narrativo. Escuche cómo Ahn cambia edad, condición y temperatura emocional mediante las consonantes, el registro y el grano vocal. El tambor y las expresiones de ánimo de Kim definen el ciclo y la energía social. «Love Song», la separación y las escenas de prisión revelan cómo las transiciones entre el pasaje cantado y el aniri hablado sostienen el drama.
3. Kim Mu-gil con Jang Deok-hwa: Geomungo Sanjo
El suldae de bambú da un comienzo duro a la línea de geomungo de Kim; la presión de la mano izquierda hace que cada resonancia se inflexione mientras se extingue y cobre voz. El tambor con forma de reloj de arena de Jang marca el lento ciclo inicial e incrementa gradualmente la tensión del movimiento compartido. La aceleración es un proceso de memoria: cada ataque rápido contiene la amplitud establecida al comienzo.
4. Imsil Pilbong Nongak: «Pan-gut»
Esta es percusión en movimiento, no la concentración escénica y sentada del samulnori. Kkwaenggwari, jing, janggu y buk viajan con la danza, las formaciones, las señales y una relación cambiante con el público. Siga el pequeño gong del director durante los giros del pan-gut y observe cómo el ritmo reorganiza el suelo bajo los intérpretes. La secuencia documentada de Imsil Pilbong también incluye un rito de la puerta, juego, acrobacia y participación comunitaria. La música pertenece al acontecimiento móvil completo.
5. Kim Gwang-bok, Choi Sang-hwa y conjunto: «Sinawi Ensemble»
Esta grabación de concierto de 1984 reúne piri, daegeum, haegeum, ajaeng, gayageum, geomungo, janggu y jing en un mismo campo de respuestas. El piri de Kim Gwang-bok puede avanzar mientras el daegeum de Choi Sang-hwa abre un aliento más amplio; otra línea puede cruzarlos sin imponer el unísono. Los demás intérpretes son Choi Tae-hyeon, Kim Mu-gil, Kang Jeong-suk, Im Suk-ja, Jang Deok-hwa y No Jong-rak. Escuche la libertad como atención aprendida: cada músico cambia de rumbo mientras sostiene un mundo modal y rítmico compartido.
6. Sociedad para la Preservación del Jeju Chilmeoridang Yeongdeunggut: «Jeju Chilmeoridang Yeongdeunggut»
Acérquese a la interpretación documentada de la asociación como secuencia ritual, no como música ambiental. La invocación vocal, la percusión, las ofrendas y el movimiento buscan una relación con el mar, la cosecha y la pesca durante el segundo mes lunar en Jeju. Observe cómo las fórmulas reiteradas estabilizan la atención y cómo la percusión puede anunciar una nueva fase. La asociación de preservación vincula la interpretación con practicantes vivos y una institución insular concreta.
7. Park Dong-mae con la Sociedad para la Preservación de los Cantos Campesinos de Namdo: «Mojjineun Sori»
Este canto de trabajo de Jindo pertenece al arranque de los plantones de arroz antes de trasplantarlos. Park Dong-mae dirige y la asociación de preservación responde, convirtiendo la labor en tramos alternos de línea solista y estribillo comunitario. El ciclo puede pasar de una versión larga a otra más rápida conforme avanza el trabajo. Escuche las inflexiones melódicas del sudoeste, pero también la función: el aliento, la respuesta y el ritmo ayudan al grupo a coordinar los cuerpos en el campo.
8. Kim Kwang-suk: «Susimga»
Susimga lleva el lenguaje melódico del canto seodo, asociado históricamente con Pyeongan y el noroeste coreano. La línea sostenida, los giros descendentes y la ornamentación concentrada de Kim Kwang-suk vuelven físico el dolor sin apresurarlo. Esta interpretación pertenece a un linaje transmitido en Corea del Sur después de la división; no desplaza la geografía recordada del repertorio. Escuche cómo una voz puede preservar la ubicación regional que el intérprete no puede sencillamente visitar.
9. Hwang Byungki: «Chimhyang-moo»
Hwang convierte la mecánica del gayageum en forma moderna. Una pulsación establece la altura; la presión más allá del puente cambia su curso; el ataque del janggu dispone otro plano temporal. El silencio es activo porque cada resonancia inflexionada al extinguirse deja tras de sí una forma. Escuche la pieza como composición nacida del conocimiento instrumental, sin necesidad de escoger entre «tradicional» y «contemporánea».
10. Unsuk Chin, Wu Wei, Orquesta Filarmónica de Seúl y Myung-Whun Chung: «Šu»
El sheng de Wu Wei puede sonar como una lengüeta, un grupo de ellas o un organismo mecánico y brillante. Chin cambia sin cesar la perspectiva entre solista y orquesta: un color que parece exclusivo del órgano de boca reaparece transformado en otro lugar. La Filarmónica de Seúl y Chung confieren a la obra una historia interpretativa surcoreana diferenciada. El sheng chino y el lenguaje internacional de Chin mantienen a distancia cualquier simbolismo nacional fácil.
11. Yun Sim-deok: «In Praise of Death»
La melodía de vals procede de «Waves of the Danube», de Ion Ivanovici; Yun escribió palabras en coreano y las grabó en Osaka en 1926. Escuche cómo su proyección de formación occidental se abre paso entre los límites de las primeras grabaciones. Nació en Pyongyang y murió décadas antes de la división, por lo que se trata de un disco coreano de época colonial preservado en la historia de la escucha surcoreana, no de un lanzamiento surcoreano posterior a 1948.
12. Lee Nan-young: «Tears of Mokpo»
El tono concentrado de Lee convierte una letra sobre una ciudad portuaria en intimidad grabada. Los contornos menores y los ornamentos de la melodía llevan la separación, mientras el disco de 1935 hace audible Mokpo mucho más allá del puerto. Repare en lo poco que necesita del acompañamiento una vez que entra la voz. La canción se sitúa dentro de la infraestructura discográfica colonial y pertenece también a la memoria perdurable de una ciudad.
13. Song Ga-in: «Mom Arirang»
Song Ga-in lleva su formación en pansori al trot contemporáneo sin volver intercambiables las dos formas. En «Mom Arirang» emplea un registro de pecho concentrado, finales de frase curvos y una presión repentina sobre sílabas clave, todo ello sobre un gran arreglo moderno. La canción apareció en su álbum Gain de 2019 después de su victoria en Miss Trot. Colóquela junto a Lee Nan-young: la comparación hace audibles casi cien años de técnica microfónica, competición televisiva y cambios en la producción del trot.
14. Shin Joong Hyun and Yup Juns: «Beautiful Woman»
El riff inicial de guitarra y bajo no adorna la canción: es su motor. La voz y los instrumentos intercambian llamadas breves antes de que la repetición vuelva comunitario el estribillo. Publicada en 1974 y prohibida durante la purga de canciones de 1975, la pieza demuestra la censura mediante la ausencia musical: las autoridades podían retirar un disco de la radio, pero los oyentes conservaron su riff y lo devolvieron a la vida pública.
15. Yang Hee-eun: «Morning Dew»
Yang comienza con aplomo y permite que la melodía de Kim Min-ki se ensanche sección a sección. Un oscurecimiento pasajero hace que el ascenso final se perciba como una decisión, y la cadencia posee una amplitud semejante a la de un himno. La prohibición estatal cambió la vida pública de la canción. Estudiantes y manifestantes siguieron cantándola y transformaron mediante el uso colectivo una grabación folk comercial en una canción minjung central.
16. Seo Taiji and Boys: «I Know»
Un breakbeat programado, rap, un estribillo melódico y movimiento sincronizado convirtieron «I Know» en una nueva forma de interpelar a la juventud en 1992. Siga la velocidad de sus secciones: el ritmo rapeado cede paso a la liberación cantada y después el pulso vuelve a afirmarse. El grupo no inventó todos los ingredientes, pero transformó su peso en la corriente dominante y ayudó a establecer la lógica de producción e interpretación desde la que se expandió la industria de los ídolos.
17. Yoon Mi-rae: «Black Happiness»
Yoon Mi-rae sitúa su historia personal dentro de un flow controlado y abre después el estribillo mediante el canto. Aborda el racismo contra las personas negras, su identidad negra y coreana, el dolor y el reconocimiento propio sin permitir que la biografía eclipse la técnica. Escuche cómo las voces de fondo ensanchan frases clave y cómo el ritmo deja espacio suficiente para las consonantes. Es a la vez oficio de hip-hop y presencia pública con voz propia.
18. Park Jiha: The Gleam
Piri, saenghwang, yanggeum y glockenspiel permiten que Park traduzca la luz cambiante en aliento, lengüetas sostenidas y metal percutido. Compuso e interpretó sola el álbum entero. La repetición establece una base y los pequeños cambios tímbricos se convierten después en grandes acontecimientos. Comience por «At Dawn» y continúe con «Temporary Inertia» para que el arco de un día completo haga sentir el silencio como parte de la instrumentación.
19. Jambinai: «ONDA»
El tema titular crece desde un preludio sereno hacia la fuerza del piri, el haegeum, el geomungo, la guitarra, el bajo, la batería y el coro. Escuche cómo los instrumentos tradicionales conservan el detalle físico dentro de la amplificación: el grano del arco, el golpe del bambú y la presión de la lengüeta. La banda alcanza la escala del post-rock y el metal sin presentar los instrumentos heredados como símbolos decorativos. Su ola nace de la acumulación del conjunto.
20. LEENALCHI: «Tiger Is Coming»
Cuatro voces formadas en pansori hacen que los animales alardeen y un tigre descienda sobre dos bajos y una batería. Las consonantes se convierten en percusión; las figuras reiteradas de bajo sostienen un patrón seco; los cambios de personaje sustituyen el teatro de una sola voz por un equipo vocal. El texto procede de Sugungga, mientras el arreglo es inequívocamente pop alternativo. La adaptación ocupa con seguridad un lugar en la extensa historia del pansori.
21. Girls' Generation: «Gee»
Una figura electrónica luminosa, líneas solistas breves y estribillos grupales superpuestos convierten el enamoramiento en precisión. Escuche el título reiterado en sus tres funciones: estribillo melódico, célula rítmica y señal para la coreografía distintiva. El foco de cámara se desplaza entre nueve intérpretes mientras las voces emparejadas y al unísono las devuelven una y otra vez a un solo conjunto. La grabación de 2009 capta a un grupo liderado por mujeres en el momento en que los programas musicales, el gesto imitable y la primera circulación en YouTube pasaron a formar parte de la composición, interpretación y memoria de una canción de ídolos.
22. BTS: «Spring Day»
Un breakbeat contenido, un teclado apagado y un color semejante al de la guitarra dejan espacio al rap conversacional antes de que la línea vocal ascienda hacia un estribillo amplio. Las funciones de los integrantes permanecen diferenciadas, pero cada relevo hace avanzar la misma sensación de distancia y regreso. La coreografía, la interpretación del video, las traducciones de los seguidores y las versiones de concierto expandieron la canción de 2017 a través de fronteras y ciclos promocionales. Su vida mundial descansa sobre un diseño musical claro: versos medidos, un preestribillo acumulativo y un estribillo capaz de albergar a la vez dolor individual y voz colectiva.
23. aespa: «Supernova»
«Supernova» vuelve coherente la brusquedad. Un bombo pesado y el bajo establecen la base, un motivo de sintetizador metálico regresa en contextos alterados y los versos recortados se abren hacia un estribillo concebido a la vez para el color vocal, el movimiento y los cortes de cámara. Kenzie escribió la letra y compuso el tema con Paris Alexa; Dem Jointz participó en la composición, hizo el arreglo y produjo. La interpretación de las cuatro integrantes de aespa completa esa autoría distribuida. El sencillo de 2024 es una lección compacta sobre cómo una producción de una etapa posterior del pop de ídolos convierte el contraste entre secciones en identidad.
24. KIRARA: KIRARA
El álbum homónimo de KIRARA de 2025 lleva este recorrido hasta el presente. Baterías fuertes, bucles melódicos brillantes y una densa textura armónica se encuentran con invitados del pop, el rap y la música de gran contundencia, mientras ella sigue ocupando el centro como compositora, arreglista y mezcladora. El disco ganó el premio al mejor álbum de electrónica en los Korean Music Awards de 2026. El resultado transmite una dimensión comunitaria porque una productora sabe cómo hacer que personas diferentes se muevan juntas.
Una secuencia práctica de escucha
Jongmyo Jeryeak, Chunhyangga de Ahn Sook-sun y Geomungo Sanjo de Kim Mu-gil revelan tres clases de tiempo. Campana, lengüeta y ceremonia medida enmarcan la primera; voz y tambor llevan la segunda; ataque de bambú y resonancia inflexionada impulsan la tercera. Sus diferencias establecen un vocabulario de línea, ciclo y respuesta.
La comunidad y la región emergen en el pan-gut de Imsil Pilbong, el conjunto de sinawi de 1984, el canto de trabajo de Jindo de Park Dong-mae, el Susimga seodo de Kim Kwang-suk y la secuencia de Jeju Chilmeoridang. Cada interpretación organiza la respuesta de manera distinta, coordina un grupo diferente y recuerda un lugar concreto.
La historia de los medios conecta a Yun Sim-deok, Lee Nan-young, Song Ga-in, Shin Joong Hyun y Yup Juns, Yang Hee-eun, Seo Taiji and Boys y Girls' Generation. La técnica microfónica, las dimensiones del conjunto, el sonido de la guitarra, el ritmo programado, la distribución vocal y la dicción cambiaron a medida que los discos de goma laca, los concursos televisivos, las prohibiciones radiofónicas, los programas musicales y el video en línea transformaron la escucha pública.
La práctica actual mantiene deliberadamente la pluralidad por medio de Unsuk Chin, Yoon Mi-rae, Park Jiha, Jambinai, LEENALCHI, Girls' Generation, BTS, aespa y KIRARA. El género concertante, el rap de autor, la composición acústica, el conjunto amplificado, el pop alternativo, la producción de ídolos y la música de club organizan el tiempo colectivo de maneras radicalmente distintas.
1. ¿Gugak es simplemente otra palabra para la música coreana antigua?
No. Gugak es una categoría amplia y actual de Corea del Sur para repertorios tradicionales y numerosas obras nuevas relacionadas con sus instrumentos, técnicas o instituciones. Comprende música cortesana, prácticas populares, pansori, percusión, música vinculada con ritos y composiciones de sonoridades muy distintas. Algunas piezas son antiguas, otras de creación reciente y todas se interpretan mediante músicos del presente.
2. ¿Aak y Jongmyo Jeryeak son lo mismo?
No. Aak designa de manera específica música ritual cortesana de ascendencia china, que hoy se escucha principalmente en el rito confuciano de Munmyo. Jongmyo Jeryeak acompaña el rito ancestral real de Joseon en el santuario de Jongmyo y posee sus propias suites, instrumentos, canciones y danzas. Ambos pertenecen a la historia cortesana y ritual, pero usar aak para toda la música de corte borra diferencias importantes.
3. ¿Qué conviene escuchar primero en el pansori?
Escuche la relación entre cantante y percusionista. Advierta cuándo el pasaje cantado se convierte en narración hablada, cómo cambia el intérprete de personaje mediante el timbre y dónde responde el percusionista con un golpe o una expresión de ánimo. Una sección breve y conocida es una buena entrada, pero una escucha más larga revela cómo los ciclos rítmicos y la resistencia vocal construyen el drama en el tiempo.
4. ¿En qué se diferencian el sanjo y el sinawi?
El sanjo suele reunir un solista melódico y un janggu en una suite que recorre ciclos rítmicos y tiende a acelerarse. El sinawi es un lenguaje de conjunto en el que varios instrumentos improvisan líneas relacionadas desde un saber modal y rítmico compartido. Ambos valoran la inflexión y la interacción. Sus integrantes, contextos históricos y recorridos formales son diferentes.
5. ¿Samulnori es el nombre tradicional de todos los grupos coreanos de percusión?
No. El samulnori es un formato de concierto desarrollado a finales de la década de 1970 alrededor de cuatro instrumentos esenciales de percusión. El nongak o pungmul comprende prácticas comunitarias más amplias con procesión, danza, teatro, acrobacia y, a veces, instrumentos de viento. El formato escénico obtiene su fuerza de esos materiales, pero modifica el espacio, la duración y el movimiento visual.
6. ¿Arirang se refiere a una sola canción?
Arirang es una gran familia de melodías, versos e identidades locales. Jeongseon Arirang, Jindo Arirang y Miryang Arirang son diferentes, y los cantantes crean o adaptan versos sin cesar. Un popurrí de concierto, una grabación de campo y un arreglo para un escenario de ídolos pueden usar el mismo nombre. Identifique la región, el intérprete y la grabación antes de formular una afirmación musical.
7. ¿Por qué incluye la historia musical surcoreana repertorios creados antes de 1948?
Los músicos y las instituciones de la República de Corea mantienen, graban y transforman repertorios coreanos más antiguos, de modo que esa herencia es esencial para la escucha actual. Sus marcos históricos originales siguen siendo distintos de sus contextos surcoreanos presentes. El Estado moderno no creó todas las prácticas de Joseon, coloniales o regionales, y la historia institucional posterior de Corea del Norte permanece separada.
8. ¿La censura gubernamental afectó solo a las canciones de protesta política?
No. Las autoridades prohibieron canciones por combinaciones cambiantes de riesgo político, supuesta influencia japonesa, pesimismo, consideraciones morales, obscenidad, plagio o conducta de los intérpretes. Las consecuencias fueron musicales: letras alteradas, discos bloqueados, exclusión de las emisiones y carreras interrumpidas. Algunas obras prohibidas, entre ellas «Morning Dew» y «Beautiful Woman», continuaron mediante la escucha privada, la memoria y el canto colectivo.
9. ¿Es el K-pop un género musical?
El K-pop se entiende mejor como un campo ligado a la industria. Los lanzamientos de ídolos pueden emplear R&B, hip-hop, house, rock, disco, trap, drum and bass y muchos otros lenguajes. Las funciones del grupo, la formación, la coreografía, el diseño visual, la televisión y la comunicación directa con los seguidores ayudan a organizar esos sonidos. Los temas concretos revelan más que una fórmula universal: compare «Spring Day», «DDU-DU DDU-DU» y «Supernova».
10. ¿Dónde puede empezar un recién llegado más allá del K-pop?
Las colecciones del Centro Nacional de Gugak abarcan música cortesana, popular y creativa, mientras los Korean Music Awards reúnen jazz, electrónica, rock, hip-hop y metal en una misma mirada contemporánea. Los colaboradores y los instrumentistas acreditados de cada artista revelan más conexiones. El paisaje musical de Corea del Sur se expande con rapidez cuando esas relaciones se perciben con claridad.
