Глава 07
Двадцать четыре исполнения на музыкальной карте Южной Кореи
11 минут чтения
1. National Gugak Center Court Music Orchestra: Jongmyo Jeryeak
Начните с масштаба церемонии. Следите за начальными сигналами, слитной линией духовых, контрастом атак бронзы и камня и размеренным пространством вокруг каждой фразы. Запись представляет южнокорейскую институциональную передачу ритуального репертуара эпохи Чосон; она не превращает это наследие досовременной эпохи в историю происхождения нынешнего государства. Botaepyeong, Jeongdaeeop и более широкая ритуальная последовательность предлагают разные представления о пропорциях.
2. Ahn Sook-sun с Kim Cheong-man: Chunhyangga
Эта длинная запись позволяет одному певцу выстроить целый театр, пока один барабанщик держит время повествования. Услышьте, как Ahn меняет возраст, положение и эмоциональную температуру через согласные, регистр и зерно голоса. Барабан и возгласы Kim определяют цикл и общественную энергию. Разделы «Love Song», разлуки и тюрьмы показывают, как переходы между пропетым фрагментом и устным aniri поддерживают драму.
3. Kim Mu-gil с Jang Deok-hwa: Geomungo Sanjo
Бамбуковая палочка suldae даёт линии комунго Kim твёрдое начало; давление левой руки заставляет каждое затухание изгибаться и говорить. Барабан в форме песочных часов Jang обозначает медленный начальный цикл и постепенно уплотняет общее движение. Ускорение здесь — процесс памяти: каждая быстрая атака несёт простор, установленный в начале.
4. Imsil Pilbong Nongak: «Pan-gut»
Это перкуссия в движении, в отличие от сидячей концертной сосредоточенности самульнори. Kkwaenggwari, jing, чангу и buk перемещаются вместе с танцем, построениями, сигналами и меняющимися отношениями с публикой. Следуйте за малым гонгом руководителя через повороты pan-gut и наблюдайте, как ритм заново организует землю под исполнителями. Документированная последовательность Imsil Pilbong включает также ритуал у ворот, игру, акробатику и общее участие. Музыка принадлежит всему движущемуся событию.
5. Kim Gwang-bok, Choi Sang-hwa и ансамбль: «Sinawi Ensemble»
Эта концертная запись 1984 года помещает пхири, тэгым, хэгым, аджэн, каягым, комунго, чангу и jing в одно отзывчивое поле. Пхири Kim Gwang-bok может выдвинуться вперёд, а тэгым Choi Sang-hwa — раскрыть более широкое дыхание; третья линия пересекает их, не принуждая к унисону. Остальные исполнители — Choi Tae-hyeon, Kim Mu-gil, Kang Jeong-suk, Im Suk-ja, Jang Deok-hwa и No Jong-rak. Слушайте свободу как результат выученного внимания: каждый музыкант меняет курс, удерживая общий ладовый и ритмический мир.
6. Jeju Chilmeoridang Yeongdeunggut Preservation Society: «Jeju Chilmeoridang Yeongdeunggut»
Относитесь к документированному исполнению общества как к ритуальной последовательности, а не к атмосферному треку. Голосовое обращение, перкуссия, подношение и движение во втором лунном месяце Чеджу стремятся установить связь с морем, урожаем и уловом. Обратите внимание, как повторяющиеся формулы стабилизируют внимание и как перкуссия может объявить новый этап. Общество сохранения связывает исполнение с живыми практиками и конкретным островным учреждением.
7. Park Dong-mae с Namdo Field Songs Preservation Society: «Mojjineun Sori»
Эта трудовая песня Чиндо сопровождает извлечение рисовой рассады перед пересадкой. Park Dong-mae запевает, а общество сохранения отвечает, превращая труд в чередование протяжённых сольных линий и общего рефрена. По мере продвижения работы цикл способен перейти от длинной версии к более быстрой. Слушайте юго-западные мелодические изгибы, но не упускайте функцию: дыхание, ответ и темп помогают группе согласовывать тела в поле.
8. Kim Kwang-suk: «Susimga»
Susimga несёт мелодический язык песен Seodo, исторически связанных с Пхёнандо и северо-западом Кореи. Протяжная линия, нисходящие повороты и сосредоточенная орнаментика Kim Kwang-suk придают печали физическую форму, не торопя её. Это исполнение принадлежит линии, передаваемой в Южной Корее после разделения; оно не перемещает сохранённую в памяти географию репертуара. Услышьте, как один голос может хранить региональный адрес, куда исполнитель не способен просто приехать.
9. Hwang Byungki: «Chimhyang-moo»
Hwang превращает устройство и исполнительскую технику каягыма в современную форму. Щипок задаёт высоту; давление за подставкой меняет дальнейшее звучание; удар чангу вводит ещё один временной план. Тишина активна, потому что каждый изменённый левой рукой затухающий звук оставляет после себя очертание. Слушайте произведение как композицию, выросшую из знания инструмента, не выбирая между «традиционным» и «современным».
10. Unsuk Chin, Wu Wei, Seoul Philharmonic Orchestra и Myung-Whun Chung: «Šu»
Шэн Wu Wei способен звучать как один язычок, кластер или яркий механический организм. Chin постоянно меняет перспективу между солистом и оркестром: окраска, казавшаяся уникальной для духового органа, появляется в другом месте в преображённом виде. Seoul Philharmonic Orchestra и Chung дают произведению отчётливую южнокорейскую исполнительскую историю. Китайский шэн и международный музыкальный язык Chin не позволяют свести музыку к удобной национальной символике.
11. Yun Sim-deok: «In Praise of Death»
Вальсовая мелодия взята из «Waves of the Danube» Иона Ивановича; Yun написала корейские слова и записала их в Осаке в 1926 году. Услышьте, как её поставленный по западной школе голос преодолевает ограничения ранней звукозаписи. Она родилась в Пхеньяне и умерла за десятилетия до разделения, поэтому перед нами корейская пластинка колониальной эпохи, сохранённая в южнокорейской истории слушания, а не южнокорейский релиз после 1948 года.
12. Lee Nan-young: «Tears of Mokpo»
Сосредоточенный тембр Lee превращает текст о портовом городе в записанную близость. Минорные очертания и орнамент мелодии несут разлуку, а диск 1935 года делает Мокпхо слышимым далеко за пределами гавани. Обратите внимание, как мало сопровождения требуется после вступления голоса. Песня существует внутри колониальной инфраструктуры звукозаписи и одновременно принадлежит долговечной памяти города.
13. Song Ga-in: «Mom Arirang»
Song Ga-in привносит подготовку в пансори в современный трот, не превращая две формы в одно и то же. В «Mom Arirang» она использует собранный грудной регистр, округлённые окончания фраз и внезапное давление на ключевые слоги поверх масштабной современной аранжировки. Песня вышла на её альбоме Gain 2019 года после победы в Miss Trot. Поставьте её рядом с Lee Nan-young: сравнение позволяет услышать почти век развития микрофонной техники, телевизионных конкурсов и меняющегося продакшена трота.
14. Shin Joong Hyun и Yup Juns: «Beautiful Woman»
Начальный гитарно-басовый рифф не украшает песню, а служит её двигателем. Голос и инструменты обмениваются короткими репликами, прежде чем повтор превращает припев в общий. Трек был выпущен в 1974 году и запрещён во время кампании 1975 года; цензура здесь слышна как отсутствие в эфире: власти могли убрать запись из вещания, но слушатели сохранили рифф и вернули его в общественную жизнь.
15. Yang Hee-eun: «Morning Dew»
Yang начинает с достоинством и позволяет мелодии Kim Min-ki расширяться от раздела к разделу. Временное затемнение делает финальный подъём осознанным, а каденция обретает широту гимна. Государственный запрет изменил публичную жизнь песни. Студенты и демонстранты продолжали её петь, благодаря совместному исполнению превратив коммерческую фолк-запись в одну из центральных песен минджун.
16. Seo Taiji and Boys: «I Know»
Программированный брейкбит, рэп, мелодический хук и синхронное движение сделали «I Know» новым видом обращения к молодёжи в 1992 году. Следите за скоростью разделов: рэп-ритм сменяется освобождением пения, а затем бит вновь заявляет о себе. Группа не изобрела каждый компонент, но изменила их влияние в мейнстриме и помогла утвердить производственно-исполнительскую логику, из которой выросла айдол-индустрия.
17. Yoon Mi-rae: «Black Happiness»
Yoon Mi-rae помещает личную историю внутрь управляемого флоу, а затем раскрывает припев через пение. Она говорит об античёрном расизме, своей чёрной и корейской идентичности, боли и узнавании себя, не позволяя биографии затмить технику. Слушайте, как бэк-вокалы расширяют ключевые фразы и как бит оставляет согласным достаточно пространства. Это одновременно хип-хоп-мастерство и самостоятельное публичное высказывание.
18. Park Jiha: *The Gleam*
Пхири, сэнхван, янгым и глокеншпиль позволяют Park перевести меняющийся свет в дыхание, удерживаемые язычки и удары по металлу. Она одна сочинила и сыграла альбом. Повтор создаёт основу, после чего небольшие тембровые изменения становятся крупными событиями. Начните с «At Dawn» и продолжайте до «Temporary Inertia», чтобы охватывающая весь день дуга сделала тишину частью инструментовки.
19. Jambinai: «ONDA»
Заглавная композиция вырастает из тихой прелюдии в силу пхири, хэгыма, комунго, гитары, баса, барабанов и хора. Слушайте, как традиционные инструменты сохраняют физические детали внутри усиления: зерно смычка, удар бамбуковой палочки и давление трости. Группа достигает масштаба построка и метала, не выставляя унаследованные инструменты декоративными символами. Её волна рождается из ансамблевого накопления.
20. LEENALCHI: «Tiger Is Coming»
Четыре голоса с подготовкой в пансори заставляют животных хвастаться, а тигра — спускаться под два баса и барабаны. Согласные превращаются в перкуссию; повторяющиеся басовые фигуры удерживают сухой карман грува; смены персонажей заменяют театр одного певца вокальной командой. Текст происходит из Sugungga, тогда как аранжировка безошибочно принадлежит альтернативному попу. Адаптация уверенно стоит рядом с длинной историей пансори.
21. Girls' Generation: «Gee»
Яркая электронная фигура, короткие сольные линии и наслаивающиеся групповые хуки превращают влюблённость в точность. Услышьте повторяемое название как тройной приём: пропетый рефрен, ритмическую ячейку и сигнал для узнаваемой хореографии. Камера перемещает фокус между девятью исполнительницами, а парные и унисонные вокалы вновь и вновь возвращают их в единый ансамбль. Запись 2009 года запечатлела женскую группу в момент, когда музыкальные шоу, повторяемый жест и раннее распространение через YouTube стали частью того, как айдол-песню сочиняли, исполняли и запоминали.
22. BTS: «Spring Day»
Сдержанный брейкбит, приглушённые клавишные и гитароподобная окраска оставляют место для разговорного рэпа, прежде чем вокальная линия поднимется в широкий припев. Роли участников остаются различимыми, но каждая передача продвигает общее чувство дистанции и возвращения. Хореография, интерпретации клипа, переводы поклонников и концертные версии расширили трек 2017 года через границы и промоциклы. Его глобальная жизнь покоится на ясной музыкальной конструкции: размеренных куплетах, накапливающемся предприпеве и рефрене, который способен удерживать личное горе и общий голос вместе.
23. aespa: «Supernova»
«Supernova» придаёт резким обрывам цельность. Тяжёлые бочка и бас устанавливают основу, металлический синтезаторный мотив возвращается в изменённых контекстах, а рубленые куплеты раскрываются в хук, одновременно рассчитанный на окраску голоса, движение и монтаж камеры. Kenzie написала текст и сочинила музыку вместе с Paris Alexa; Dem Jointz участвовал в сочинении, сделал аранжировку и спродюсировал трек. Исполнительский вклад четырёх участниц aespa завершает это распределённое авторство. Сингл 2024 года — компактный урок того, как современный айдол-продакшен превращает контраст разделов в идентичность.
24. KIRARA: *KIRARA*
Одноимённый альбом KIRARA 2025 года приводит обзор в настоящее. Сильные барабаны, яркие мелодические петли и плотная гармоническая фактура встречаются с гостями из попа, рэпа и тяжёлой музыки, а она остаётся в центре как композитор, аранжировщик и инженер сведения. Запись получила награду Korean Music Awards 2026 года как лучший электронный альбом. Она звучит коллективно, потому что один продюсер знает, как заставить разных людей двигаться вместе.
Практическая последовательность для слушания
Jongmyo Jeryeak, Chunhyangga Ahn Sook-sun и Geomungo Sanjo Kim Mu-gil открывают три вида времени. Колокол, трость и размеренная церемония обрамляют первое; голос и барабан несут второе; удар бамбуковой палочки и меняющийся под левой рукой затухающий звук ведут третье. Различия между ними закладывают словарь линии, цикла и ответа.
Сообщество и регион проявляются через pan-gut Imsil Pilbong, ансамбль синави 1984 года, трудовую песню Чиндо Park Dong-mae, Susimga Seodo Kim Kwang-suk и последовательность Jeju Chilmeoridang. Каждое исполнение по-своему организует ответ, координирует свою группу и помнит конкретное место.
История медиа связывает Yun Sim-deok, Lee Nan-young, Song Ga-in, Shin Joong Hyun и Yup Juns, Yang Hee-eun, Seo Taiji and Boys и Girls' Generation. Микрофонная техника, масштаб ансамбля, гитарный тон, программированный бит, распределение вокальных партий и подача текста менялись по мере того, как шеллачные диски, телевизионные конкурсы, эфирные запреты, музыкальные шоу и онлайн-видео преобразовывали публичное слушание.
Современная практика остаётся намеренно множественной благодаря Unsuk Chin, Yoon Mi-rae, Park Jiha, Jambinai, LEENALCHI, Girls' Generation, BTS, aespa и KIRARA. Концерт, авторский рэп, акустическая композиция, усиленный ансамбль, альтернативный поп, айдол-продакшен и клубная музыка принципиально по-разному организуют общее время.
1. Gugak — это просто другое название старой корейской музыки?
Нет. Gugak — широкая современная категория, которой в Южной Корее обозначают традиционные репертуары и многие новые произведения, связанные с их инструментами, техниками или институциями. Она включает придворную музыку, народную практику, пансори, перкуссию, музыку, связанную с обрядами, и совершенно по-разному звучащие композиции. Одни произведения стары, другие созданы недавно, а каждое исполнение осуществляется современными музыкантами.
2. Aak и Jongmyo Jeryeak — одно и то же?
Нет. Узкое понятие aak обозначает придворную ритуальную музыку китайского происхождения, которую сегодня слышат главным образом во время конфуцианского обряда в Мунмё. Jongmyo Jeryeak сопровождает королевский обряд поминовения предков династии Чосон в святилище Чонмё и обладает собственными сюитами, инструментами, песнями и танцами. Обе практики принадлежат истории двора и ритуала, но если называть ааком всю придворную музыку, важные различия исчезнут.
3. Что прежде всего слушать в пансори?
Слушайте отношения между певцом и барабанщиком. Замечайте, когда пропетый фрагмент переходит в устное повествование, как певец меняет персонажа тембром и где барабанщик отвечает ударом или возгласом. Известный короткий фрагмент хорошо подходит для начала, но более долгое слушание показывает, как ритмические циклы и вокальная выносливость со временем выстраивают драму.
4. Чем различаются санджо и синави?
В санджо обычно один мелодический солист играет с чангу в сюите, которая проходит через ритмические циклы и обычно ускоряется. Синави — ансамблевый язык, где несколько инструментов импровизируют родственные линии на основе общего ладового и ритмического знания. Обе формы ценят изгиб звука и взаимодействие. Но их составы, исторические контексты и формальные пути различны.
5. Самульнори — традиционное название любого корейского ансамбля ударных?
Нет. Самульнори — концертный формат, разработанный в конце 1970-х годов вокруг четырёх основных ударных инструментов. Нонак или пхунмуль включает более широкие общинные практики с шествием, танцем, драматическим действием, акробатикой и порой духовыми. Сценический формат черпает силу из этих материалов, меняя пространство, длительность и визуальное движение.
6. Arirang — это одна песня?
Arirang — обширное семейство мелодий, куплетов и местных идентичностей. Jeongseon Arirang, Jindo Arirang и Miryang Arirang различаются, а певцы постоянно создают или приспосабливают куплеты. Название может использоваться и в концертном попурри, и в полевой записи, и в аранжировке для айдол-сцены. Прежде чем делать музыкальное утверждение, определите регион, исполнителя и запись.
7. Почему музыкальная история Южной Кореи включает репертуары, созданные до 1948 года?
Музыканты и учреждения Республики Корея поддерживают, записывают и преобразуют более старые корейские репертуары, поэтому это наследие существенно для современного слушания. Их исходные исторические рамки отличаются от нынешних южнокорейских контекстов. Современное государство создало не каждую практику эпохи Чосон, колониального периода или отдельного региона, а последующая институциональная история Северной Кореи остаётся самостоятельной.
8. Государственная цензура затрагивала только песни политического протеста?
Нет. Власти запрещали песни из-за меняющихся сочетаний политического риска, предполагаемого японского влияния, пессимизма, морали, непристойности, плагиата или поведения исполнителя. Последствия были музыкальными: изменённые тексты, заблокированные пластинки, утраченные эфиры и прерванные карьеры. Некоторые запрещённые произведения, в том числе «Morning Dew» и «Beautiful Woman», продолжали жить в частном слушании, памяти и совместном пении.
9. K-pop — это один музыкальный жанр?
K-pop точнее понимать как связанную с индустрией сферу. Айдол-релизы могут использовать R&B, хип-хоп, хаус, рок, диско, трэп, драм-н-бейс и множество других языков. Эти звуки организуют групповые роли, обучение, хореография, визуальное оформление, телевидение и прямое общение с поклонниками. Отдельные треки говорят больше, чем универсальная формула: сравните «Spring Day», «DDU-DU DDU-DU» и «Supernova».
10. Где новичку искать музыку за пределами K-pop?
Коллекции Национального центра гугак охватывают придворную, народную и новую музыку, а Korean Music Awards сводит в одном современном поле джаз, электронику, рок, хип-хоп и метал. Соавторы артистов и указанные в титрах инструменталисты открывают дальнейшие связи. Музыкальный ландшафт Южной Кореи быстро расширяется, когда эти отношения попадают в поле зрения.
